FINALE DI PARTITA DI SAMUEL BECKETT

Junio 2014


FINALE DI PARTITA DI SAMUEL BECKETT

Junio 2014

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REGIA LLUÍS PASQUAL

SCENE E COSTUMI FREDERIC AMAT

CON LELLO ARENA, GIGI DE LUCA, STEFANO MIGLIO, ANGELA PAGANO COPRODUZIONE FONDAZIONE CAMPANIA DEI FESTIVAL– NAPOLI TEATRO FESTIVAL ITALIA, TEATRO STABILE DI NAPOLI

Progetto finanziato
 con POR FESR 2007-2013 “La cultura come risorsa”

Prima assoluta
Paese Italia

Lingua Italiano

durata: 1h 30m

Luogo Teatro Nuovo

Date
09/06/2014 ore 21:00
10/06/2014 ore 21:00

Scrive il regista «Quando, nel 1998 misi in scena Aspettando Godot, il ricco bagaglio intellettuale con cui affrontai lo spettacolo, mi impedì di accostarmi con un approccio naif al lato straordinario che c’è in Beckett. Non credo che esista un teatro meno letterario e più legato al presente, all’istante esatto in cui si produce, di quello di Samuel Beckett. In un tardo pomeriggio parigino sentii dire dalla sua bocca che il grande peccato dell’uomo è prendersi troppo sul serio. Sono convinto che il popolo napoletano, con i suoi attori e spettatori, praticano nella loro vita quotidiana, quella distanza che dà senso dell’umorismo e ironia all’esistenza. Mi rende molto felice introdurre questi elementi napoletani in Finale di partita. Sono certo che il grande scrittore-filosofo dallo sguardo rapace sarebbe felice di questo incontro. Così come lo sono io!».


SOLC

Marzo 2014

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La alargada huella de Espriu
Frederic Amat crea un obelisco caído para Espriu

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2014/01/21/catalunya/1390261292_404399.html

http://www.arquine.com/blog/monumentos/

http://www.mextropoli.mx/programa/

 


Memorias de Tortuga

Diciembre 2013

Memorias de tortuga, un "sainete ibérico", tal y como lo define Goytisolo, evoca el periodo transcurrido entre la posguerra y el final de la dictadura mediante  canciones populares, himnos patrióticos y cuñas publicitarias de la radio.

Un sainete ibérico de JUAN GOYTISOLO
Dirigido por FREDERIC AMAT
Voz en off canciones JUAN GOYTISOLO
Tortuga G. JOAN BAIXAS
Tortuga J. ALBERT PLA
Limpiabotas PEP DURAN
Banda sonora CABOSANROQUE

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2013/12/05/catalunya/1386274146_788444.html


Viaje a la Luna. Proyeccin de cine| Nueva York: 8 Mayo 2013 (19 horas)

Mayo 2013

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08/05/2013 (19:00 h)

Lugar
Instituto Cervantes
211-215 East 49th Street
10017 Nueva York


Viaje a la Luna y Mudanza
Proyección de cine

Viaje a la luna está lleno de imágenes poéticas y visuales difíciles casi de imaginar y, por su puesto, de materializar. "A través del buceo y conocimiento de la obra lorquiana y de los dibujos que empecé a hacer a partir del guión pude encontrar las claves que esconde este texto aparentemente hermético, pero que en el fondo tiene un hilo narrativo claro", afirma  Frederic Amat. "Lo que he intentado es desentrañar el hilo y la historia del guión para, una vez entendido, volverlo a montar para devolverle su valor plástico y poético". Amat no considera que el guión sea estrictamente surrealista, sino más bien un diálogo entre el sueño y la vigilia.

La aportación del cineasta catalán Pere Portabella al proyecto consistió en vaciar la casa de su decorado para invocar la presencia del poeta a través de la ausencia de elementos asociados a él. El cortometraje "Mudanza", que se proyectó durante los 10 días que el museo permanecía vacío en un cine de madera construido en el jardín, muestra el proceso de retirada y empaquetado de los muebles y objetos para luego deambular por las blancas paredes de habitaciones y pasillos desnudos.

http://nyork.cervantes.es/FichasCultura/Ficha88404_27_1.htm


Barcelona y Sao Paulo se unen con una 'performance' simultnea este jueves

Diciembre 2012

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El centro Arts Santa Mònica de Barcelona y el Centro Cultural de Sao Paulo llevarán a cabo una 'performance' simultánea este jueves a las 20.00 horas --a las 17.00 horas en Brasil-- a través de la interacción de los artistas Arnaldo Antunes y Frederic Amat.

 http://cultura.gencat.cat/endirecte


El arte no debe estar sometido

Julio 2012

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El arte no debe estar sometido
Exposición. Espai Micus. Ibiza



Pep Tur | 08/07/2012


El pintor Frederic Amat reconoce que si ha llegado a exponer en el Espai Micus es por el hecho de que es «muy curioso» y le intrigó el ofrecimiento hecho por Katja Micus. Ya en la isla, se confiesa un enamorado de su luz y alaba la convivencia entre la Eivissa «arcaica» que conoció y la isla electrónica que ha surgido en las dos últimas décadas. De respuestas largas, aunque hilvanadas como mecanismos de relojería repletos de anécdotas y recuerdos, Amat varía el tono de su voz durante la conversación, como si cada frase fuera una pincelada en el aire buscando su significado pleno.


—¿Es la primera ocasión en la que expone en Eivissa?
—En las Islas no, hay un anteceddente de hace muchos años. Fue en 1977 en Son Servera. Era un homenaje a Miró, y el propio Miró vino y pude comentar la obra con él. Eso fue poco antes de salir hacia México, para un viaje que tenía que ser de un mes  y duró finalmente dos años y medio. Allí, curiosamente, en el catálogo que hicimos se puso una fotografía en la que se veía Dalt Vila al fondo, porque Eivissa era un lugar al que venía mucho en mi juventud; yo y tantos otros. La escapada paradisíaca para muchos de nosotros era Eivissa. Me cargó de energía. De hecho tengo muchos dibujos hechos en la isla. Era una Eivissa distinta a la que hoy podemos encontrar. Curiosamente, hace poco leí acerca de un estudio sobre la convivencia entre la isla arcaica y a la vez la Eivissa abierta a esta generación que bailan al son de la música electrónica, que es un mundo para mí desconocido. Cuando venía me instalaba en el Hotel Corsario, cargaba una moto en el barco de Trasmediterránea y pasaba tres o cuatro semanas al año. Me interesó la arquitectura porque me sorprendió y me gustó mucho. Y fui secuestrado por lo más importante que tiene esta isla, que es la luz, y los pintores comemos luz. Comemos con los ojos y Eivissa me dio su tesoro más preciado, que es su luz. En mayo celebré mis sesenta años en la Isla y la luz era la misma. Pasan los años, pero las luces que tiene uno en la profundidad de su memoria vuelven a reaparecer.

—Hablaba sobre la arquitectura de Eivissa. Sus inicios académicos fueron en la carrera de Arquitectura. ¿Qué queda de aquel estudiante?
—Estudiar arquitectura fue principalmente la excusa para entrar en contacto con la universidad. Estamos hablando de unos años antes de la muerte de Franco y la universidad era un espacio de conciencia política. Yo hubiera hecho filosofía, pero mi historia, como toda historia, es muy complicada. Estudiaba en una escuela privilegiada dirigida por Emili Teixidor, que fue mi profesor de literatura y es uno de los faros de mi vida. Al acabar a los catorce años, a la hora de la reválida, toda la clase quería hacer ciencias y yo era el único que quería hacer letras, lo que me obligaba a dejar la escuela. Seguí haciendo ciencias, cuando realmente quería hacer lo que tal vez finalmente he hecho de un modo más autodidacta. Entonces llegó el momento de escoger una carrera; estaba trabajando en escenografías y pensé que la disciplina de arquitectura me podía ayudar, la lástima fue que la arquitectura de aquellos años era muy paupérrima. Entré en crisis a media carrera y colgué los hábitos y el cartabón de arquitecto para lanzarme a una aventura. Antes que una carrera escogí una actitud de vida, siendo pintor, con todo lo que esto comporta.

—¿Se define como pintor?
—Sí. Pero en el sentido más abierto y más amplio de la pintura. Hace poco estaba viendo la película de Herzog La cueva de los sueños olvidados y en ella se ve como el arte se inicia de un modo perfecto. No porque vayan pasando más años se va pintando mejor. El arte salió perfecto desde el principio. Herzog muestra una cueva de hace 32.000 años y hay unos caballos... ¡hay un minotauro! Luego llegamos al siglo XX y a la experiencia de las vanguardias, que es fascinante. Y aparece el cine, que tiene cien años, es de anteayer como quien dice. Creo que el gran estallido del cine aún está por empezar, porque fue secuestrado por el drama y por el teatro y muchos artistas plásticos han sido tentados, he sido tentado, de usar la imagen en movimiento. Así, llegamos a que el gran legado del siglo XX es la posibilidad de disolver las fronteras entre distintas artes. Hago películas, pero las pinto, y escenografías, pero hay un elemento de pintor, ese ojo que da a ver al público. Y ese dar a ver se puede expresar de muchos modos. La pintura es como un árbol cuyas ramas se abren en todas direcciones.

—Es difícil de etiquetar.
—Soy muy curioso, y a veces es un problema, porque el mercado, creo que de un modo miope, desconfía de la actitud plural del artista. No se dan cuenta de que es exactamente lo mismo. Yo inicié una línea al comenzar a pintar y sigo exactamente en la misma línea. Viajo con ella. Ha madurado, como la vida. La luz se ha cargado de profundidad.

—¿Cada técnica se retroalimenta?
—Son complementarias. Muchas experiencias que he tenido mientras trabajo vienen alimentadas por otras experiencias vividas anteriormente. La cerámica en el teatro y viceversa, por ejemplo. Cuando trabajo en el teatro recargo mucho las pilas, pero llega un momento en el que no lo aguanto más y tengo que volver a la soledad del estudio, y allí llega un punto en el que no me aguanto a mí mismo... La labor que tengo como artista y como persona es la de vivir la vida como una aventura. Ahora creo en cosas que ya están puestas al margen en estos momentos difíciles y peculiares, como es la aventura y el riesgo. Y tenemos a una serie de fantasmas por encima de nosotros que está inculcando el miedo y lo peor es la gente que se ha quedado paralizada frente a ese miedo.

—No ve con buenos ojos la situación social.
—Se ha desecho un invento, que es la sociedad de bienestar, pero el gran drama en las últimas décadas es que cuando al desmantelarse el estado del bienestar nos hemos dado cuenta de que por debajo no supimos tejer una sociedad del bien-ser, del bien-hacer. Uno de los grandes dramas del momento actual es la falta de atención que hay por el mundo de la cultura por parte de las instituciones. Y cuando hablo del mundo de la cultura no hablo solo del arte, hablo de la universidad y hablo de las escuelas. Lo que hay que hacer urgentemente es invertir económicamente pero sobre todo intelectualmente en las escuelas porque el futuro está ahí, en las nuevas generaciones. Veo una gran miopía en esa falta de apoyo a la educación. En cierto modo el momento que vivimos es pavoroso y me rebelo diciéndole ‘no’ al miedo, porque el miedo es inmovilismo, impotencia y es un modo de control. El arte no debe estar sometido, porque es una forma de revelación y de revolución.

—¿El arte sí tiene su papel en este momento de crisis?
—Absolutamente, como forma de conocimiento. Cuando ves una obra de arte, ésta no te da un conocimiento sobre ella misma, sino sobre ti. Cuando te gusta una obra de arte lo que sientes es el disfrute del conocimiento de ti mismo que te ofrece la obra. El arte, la cultura, es la gran defensa y la gran solución para momentos de crisis. Pero nosotros no estamos en crisis. La crisis la ha traído una sociedad desbocada con unos valores equivocados al acabar el siglo XX. Es el testimonio del fracaso de este capitalismo. Pero al mismo tiempo es un momento fascinante por lo que supone de reinvención de cada uno de nosotros. Y al reinventarnos debemos tener en cuenta la importancia de la solidaridad, una palabra que casi nadie utiliza desgraciadamente. Hay que ser solidarios como nunca.

—Nunca se ha cerrado hacia otras visiones del arte, ha trabajado sobre textos de grandes escritores y ha colaborado directamente con poetas como Joan Brossa...
—A Brossa le filmé su primera película, Foc al càntir. Brossa es otro de mis faros. Es de los pocos poetas que admiraba a Lorca, porque muchos lo miran desde cierta distancia. Le dije que trabajaba sobre el guión de Lorca Viaje a la luna, de 1929, que se perdió durante sesenta años. Tuve la suerte de llevarlo a la pantalla y lo vi junto a Brossa. Una de sus virtudes era que siempre decía la verdad. Como decía él, nunca se ponía peluca o bigote postizo. Cuando vio la película me hizo un gran elogio con una simple pregunta: ‘¿Puedo volver a verla?’. La volvimos a ver, nos fuimos a comer y sugirió que hiciéramos algo juntos. Allí apareció sobre la mesa el guión de Foc al càntir, que había escrito para Dau al Set en los años cuarenta y que no se había rodado. Años más tarde la rodé con música de Carles Santos.

—¿Dónde ve su futuro el Frederic Amat artista?
—Vivo día a día, no pienso en el futuro. Pienso en el futuro desde el concepto de la solidaridad de la sociedad, que es un tema que me preocupa mucho y sobre el que reflexiono mucho, pero como artista soy incapaz de imaginarme en el futuro. Sé que aún tengo muchas cosas que hacer, entre ellas una buena pintura, y confío en lograrlo antes de irme.


Shoji Kojima + Chicuelo + Frederic Amat | Mercat de les Flors 26/05/2012

Mayo 2012

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Shoji Kojima,  baile
Juan Gomez ‘Chicuelo’, guitarra
Miguel Ángel Soto ‘Londro’, cante
Hausson, ilusionista
Frederic Amat, pintor

 


Ver danzar a la bailarina española La Argentina fue una inspiración para Kazuo Ohno, maestro de la danza butho. Con sus ojos puestos en ellos, el maestro y bailaor japonés Shoji Kojima mirará su propia cultura, su memoria, su flamenco. Seremos partícipes de un juego de espejos y reflejos.

Frederic Amat siempre se ha sentido estimulado por esta “otra” visión del mundo que ofrece Japón y fascinado por su particular sensibilidad que hace de la vida una ceremonia, un espectáculo. Entiende su colaboración con Shoji Kojima y el ilusionista Hausson como un mosaico de improvisaciones, sugerencias y presencias, en las que la emoción brota de subvertir la tradición, en el intento de encontrar diferentes expresiones del flamenco. No debe ser un suceso, sino una aparición.

 

Sábado 26 Mayo 2012
Sala Pina Bausch | 20h | 10€
Mercat de les Flors


Artigas. L'Home del foc

Abril 2012

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Artigas y las formas del silencio
JORDI BALLÓ

Cultura|s La Vanguardia Miércoles 16 Mayo 2012

Esta exposición de 147 piezas del ceramista Josep Llorens i Artigas se funda en la práctica de la colaboración artística. Eso no es nuevo en la historia de este autor, cuyo nombre se ha asociado históricamente a los artistas con los que entabló un trabajo común, especialmente con Miró, pero también con Braque, Raoul Dufy o incluso con Buñuel, aunque esta relación sea menos conocida. Pero en este caso la colaboración esencial para esta exposición se produce en otro dueto artístico, basado en la admiración que el pintor, escultor y cineasta Frederic Amat siente por el legado de Artigas, y la responsabilidad que asume de presentar la obra del ceramista en unas condiciones inéditas, capaces de transformar radicalmente la mirada del espectador sobre estas obras prexistentes. Amat reconvierte la sala de La Pedrera en una zona ondulante, con una arena silícea que recorre el espacio sobre el cual emergen las obras de Artigas, con unos conjuntos armónicos dispuestos a la manera de un bodegón, o mas bien de una pintura de Morandi, creando una fascinante evocación del silencio visual.
La mayor parte de las piezas de la exposición son eso: obras (normalmente jarrones) de formas puras, articuladas y reunidas en función de variables, como el tamaño, los tonos cromáticos o los materiales utilizados por Artigas. Unas composiciones que aparecen como suspendidas, enraizadas en una austeridad matérica que las realzan de manera extraordinaria. Este trabajo de selección y diálogo de las obras más genuinas de Artigas hace sentir el valor de su elegancia y de su contención formal. Al poner las obras en relación entre ellas sin perder la singularidad, se elude tanto la tentación totémica de la obra única como el coleccionismo uniformador de reunir obras diversas en un mismo aparador. Es por ello que estas composiciones de Artigas producen una de las emociones estéticas más profundas que yo he sentido en una exposición, justamente porque en ellas se realza la coherencia de una obra que nunca habíamos visto ni sentido con esta fuerza evocadora. ¿No es esto lo mejor que puede reclamarse de una pieza expuesta?
Esta concatenación de formas donde pintura y escultura se funden en una mirada nueva, ocupa las dos terceras partes de esta exposición, y si fuera por mi gusto, me habría encantado que siguiera así hasta el final. Porque en la última parte se acude a la parte más conocida de la obra artística de Artigas, la que realizó con Dufy y sobre todo con Miró. En contraste con la emoción que sientes ante las obras propias y exentas de Artigas, esta última parte nos transporta ineludiblemente al mundo de Miró y de los otros artistas, con un rastro muy leve de la gestualidad genuina del ceramista. Excepto en algunas obras muy concretas, como un jarrón de los años sesenta en los que parece que el concepto armónico de Artigas se impone a la gestualidad expresiva de Miró, el conjunto de las obras presentadas resulta ya conocido, igualmente fascinante, pero por otros motivos que los que harán de esta exposición un hito inolvidable. Dicho de otra manera, en este caso no necesitamos de su colaboración con otros artistas plásticos para entender la singularidad estética de Artigas.
Entre estas dos partes, como cesura entre ellas, la muestra proyecta un fragmento de L’Age d’0r de Buñuel, en el cual Artigas interpreta al hombre con chistera y medallas que lanza un discurso casi ininteligible en la inauguración solemne de un monolito, mientras una pareja hace el amor convulsivamente entre el barro. El rescate de esta imagen tiene un doble valor arqueológico, el más evidente el de hacernos ver que la estancia parisina de Artigas fructificó en la colaboración con Buñuel en esta película irrepetible. El otro rescate es prestar atención a lo que dice este personaje en el filme, que nadie escuchaba porque estábamos más interesados en la reacción de la muchedumbre contra los amantes voraces. Pero ahora sabemos que en este fragmento, Artigas habla atropelladamente de los componentes de la cerámica, es decir, el artista aprovechó la oportunidad para co lar un mensaje gremial en el corazón de la vanguardia fílmica.
Curiosamente, dos de las muestras barcelonesas que más me han cambiado la mirada sobre la obra expuesta tienen que ver con la cerámica. Una, la que presentó el Palau de Pedralbes el 2001 sobre la colección Bertrán i Musitu, con dirección artística de Enric Ruiz Geli. La otra es esta de la Pedrera sobre Artigas según Amat, un referente en la práctica museográfica actual. |

Artigas. L’home del foc
SALA D'EXPOS!CIONS LA PEDRERA
CX CATALUNYA
CAIXA OBRA SOCIAL
BARCELONA

Montaje de la exposición: Frederic Amat

Passeig de Gracia, 92
Tel. 93-484-59-79
www.fundaciocaixacatalunya.org

"Artigas llena La Pedrera de cerámicas
Frederic Amat monta una exhibición del hombre que colaboró 30 años con Miró" […]

El País, España

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/04/16/catalunya/1334601967_367758.html


Picasso, el rovell de l'ou

Octubre 2011

Con mi charla entorno a las obras expuestas en la exposición Devorar París. Picasso 1900-07 querría comentar la gestación y cristalización de una gran y atrevida aventura creativa de principios del siglo XX que golpeó y salpicó nuestra visión de la realidad y sus apariencias.

http://w3.bcn.es/V01/Serveis/Noticies/V01NoticiesLlistatNoticiesCtl/0,2138,417470534_417706709_2_1590865930,00.html?accio=detall&home=


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